Con la primera parte de esta aproximación a uno de los personajes mas oscuros de todos los cómics, Nolan rompió las reglas básicas de las adaptaciones cinematográficas de personajes del cómic. Un protagonista oscuro, en una ciudad oscura, ambientado en una Gotham demasiado parecida a cualquiera de las grandes urbes de la actualidad y que huía de los típicos trajes de mayas, colores e historias basadas directamente en cualquier cómic, para coger trozos de toda la mitología de Batman y fusionarlo en un comienzo que sienta las bases para la película que aquí nos ocupa.

El caballero Oscuro empieza de manera demoledora, con un atraco que no tiene nada que envidiar a las mejores escenas de Heat, y que avanza suavemente, tomándose su tiempo, por cada uno de los personajes principales de la película sin caer de ninguna manera en los tópicos de policía incorruptible, chica mona pero dependiente de los hombres de la película y un malo histriónico que roza la caricatura.

Nolan construye un Batman atormentado, en el que cada vez se distingue menos la linea que separa a Wayne de su alter ego enmascarado, y un antagonista que marcará un antes y un después en cuanto a cualquier malo que pueda llegar a aparecer en cualquier película a partir de este momento, porque el Joker de Heath Ledger es uno de los mejores papeles de estas características nunca antes visto en la pantalla grande. Es la mejor encarnación del Joker que podría haberse llevado al cine, con un Ledger inmenso que consigue desde el primer momento presentarnos a un personaje desequilibrado, inhumano, psicópata y totalmente carente de sentimientos. Es cierto que la versión en Español no esta nada mal, pero por los videos que he visto en versión original, en ingles la actuación de Ledger crece enteros, así que no me parece nada descabellado la nominación al Oscar del actor, realmente clava su papel.

El argumento, sin basarse en ningún cómic en concreto, avanza eficazmente sin un solo altibajo, y eso que estamos hablando de una película que alcanza las 2:30 de duración, lo que podría ocasionar algún altibajo, pero es que esta tan bien trenzada la historia y las escenas de acción se mezclan tan eficazmente con los diálogos de los personajes que todo avanza suavemente hasta llegar a un final totalmente demoledor, dejando claro por donde va a tirar la tercera parte de las andanzas del caballero negro de Gotham.

En definitiva, El Caballero Oscuro es sin lugar a dudas la mejor película de superheroes jamas filmada hasta la fecha, superando con creces a su primera parte y llevando a otro nivel “adulto” las andanzas de un personaje de cómic. Actuaciones sobresalientes y un guion realmente conseguido rematan una de las mejores películas que sin duda alguna vamos a poder ver en la gran pantalla este año, y no me extrañaría que en años venideros no se pudiera superar tan magna obra. Bueno, cuando llegue la tercera parte, seguramente.

Lo mejor:
El joker
Lo bien unidas que están las escenas de acción con los diálogos. Con esto se demuestra que se pueden hacer películas de acción con argumento.

Lo peor:
Alguna que otra voz del doblaje al español.

Bruce Banner (Edward Norton) se encuentra en Brasil, intentando evadir la búsqueda del General Ross (William Hurt), a la vez que busca la cura definitiva para poder liberarse por fin de la maldición de convertirse en Hulk, un ser con una fuerza tan inimaginable como su furia. Para ello necesitará acceder a los datos del experimento que le transformó, que están en posesión de su ex-novia Betty Ross (Liv Tyler), aunque eso signifique enfrentarse con Emil Blonsky (Tim Roth), un militar ruso dispuesto a todo para dar caza a Banner, incluyendo el convertirse en un monstruo peor.

Afortunadamente, esta nueva versión de la historia del gigante esmeralda sigue las pautas de la anteriormente mencionada película del Hombre de Hierro, y que básicamente consiste en reducir al mínimo los problemas existenciales de los personajes para centrarse en el espectáculo puro y duro. Ni que decir tiene que no existe referencia alguna a la versión dirigida por Ang Lee (suspiro de alivio), ni es una secuela, sino un “nuevo origen”, como el Batman de Nolan.

El guión no es su punto fuerte, evidentemente, ya que Hulk viene a ser una especie de armario empotrado, si bien es posible que la capacidad de raciocinio del armario sea notablemente mayor. Sus intervenciones suelen limitarse a destrozar lo que pilla y a soltar varios rugidos (?) que parecen sacados de King Kong, con la que guarda más de una similitud.

Aparte del habitual cameo de Stan Lee (posiblemente este sea uno de los más ingeniosos que ha hecho), hay varios guiños que los aficionados a Marvel podrán distinguir (memorandos de Nick Furia, armamento de Industrias Stark, referencias al suero del Supersoldado… e incluso la aparición de Lou Ferrigno y de la melodía de la serie de televisión), además de una aparición sobre la que mucho se ha rumoreado y que abre las puertas a futuras producciones (por si a alguien le quedaba alguna duda). Eso sí, en esta ocasión es anterior a los créditos, así que ya no hace falta enfadar a la gente que limpia la sala.

Los efectos lucen realmente bien, con un Hulk de color más oscuro, más expresivo, y un enemigo a la altura, como es La Abominación (cualquier parecido con el cómic original es pura coincidencia). Sin embargo, Letterier no es capaz de sustraerse del todo a esa forma actual de rodar las peleas, y el enfrentamiento final a veces resulta confuso, con lo que no se sabe bien si están luchando o bailando el chiki-chiki.

El reparto no brilla excesivamente porque, siendo honestos, poco hay que interpretar: William Hurt frunce el ceño, Edward Norton pone cara de buena persona, y Liv Tyler está ahí porque hace bonito. Lo de Tim Roth es caso aparte, ya que resulta extraño ver a un militar condecorado caminando como un auténtico macarra, supongo que para parecer más malvado, o porque sigue pensando en El Planeta de los Simios.

Aún así, y a pesar de algunas escenas que podrían haberse recortado para aligerar el metraje, El Increíble Hulk cumple su función de entretener meritoriamente, a pesar de algunos fallos clamorosos en el doblaje (cambiar el típico “Hulk aplasta” o similares por “el golpe de Hulk” causa auténtico estupor). Eso sí, cuidado con superar las 200 pulsaciones.

Valoración: regular.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Tecnológicamente hablando no se ve nada nuevo, lo cierto es que tanto HULK como su antagonista son espectaculares, bastante lejos del disfraz de espuma verde que ofrece la nostálgica serie Z; por otra parte, no se si rindiendo homenaje a las películas de acción de los 90 o emulando las viñetas de Stan Lee, todo lo que colisiona en la película explota, lo de menos es que sea inflamable, y ya que desafían las leyes de la física en general (que para algo tienen superpoderes), que menos que desafiar también las de la química y si dos trozos de metal chocan, que exploten también…en fin. Volviendo a los homenajes, y a Stan Lee, como no, ‘cameo’, que son como un ‘busca a wally’ (detallazo).

También aparece el HULK de la serie de televisión como guardia de seguridad y Tony Stark (a este sí que le gusta el verde, pero el del dólar). Lo que está claro es que tanto si os gusta el cómic como si no, no os vais a aburrir lo más mínimo, todo pensado para el espectador más distraído con un ritmo equilibrado entre la acción propiamente dicha y el resto de la historia (la chica, el padre, el científico loco,… y resto de estereotipos del mundo del cómic de superhéroes). Ya leyendo entre líneas volvemos a los orígenes del miedo y a la vez necesidad del gobierno (en este caso, estadounidense) de tener un enemigo como justificación a la ¿excesiva? inversión del ejército en armamento y constituir su hegemonía como principal potencia mundial y si para ello tiene que recurrir a nuevas armas de tipo biológico o humano (como el súper-soldado), se hace, que la moral no es tan satisfactoria como el poder…

Lo mejor, Bruce Bunner y su alter- ego. Y como no, el (excelente) trabajo de la productora MARVEL (aún no me repongo de la consecución exitosa de sus producciones; exitosa al margen de la calidad cinematográfica, lo que le añade más valor aún)

Lo peor (buff…) en primer lugar, ¿porqué tienen que hablar HULK y su archienemigo, sobretodo este último? Y ya de hablar, vaya macarrada de diálogos, apropiados para los globos de las viñetas pero no para la gran pantalla… en segundo lugar (y esto no tiene que ver con la película directamente) ¿qué le pasaba al labio superior de Liv Tyler? Y por último, una pena que un tipo como Louis Leterrier sea tan americanamente influenciable y no se deje llevar por una estética más propia.

Calificación: entretenida.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

La Niebla cuenta cómo David Drayton (Thomas Jane) junto con su hijo pequeño Billy (Nathan Gamble) han de unir fuerzas con el resto de compradores de un supermercado local en el que se ven encerrados debido a una extraña niebla que parece haber invadido el pueblo entero. Lo realmente terrible, sin embargo, es que parece haber algo en esa niebla capaz de acabar con la vida del que se atreva a adentrarse en ella.

La película intenta jugar con dos amenazas: una es externa, y consiste en las criaturas que esperan fuera para acabar con los sufridos ciudadanos. La otra es interna, y se basa en la división entre dos grupos claramente diferenciados: los que siguen a David, más prácticos y cerebrales; y los que siguen a la sra. Carmody (Marcia Gay Harden), una fanática religiosa que cree que el Apocalipsis ha llegado, y sólo puede resolverse aplacando la sed de sangre divina con sacrificios humanos.

El problema es que Darabont, no sé yo si intentando compensar ambas tramas, evita que se genere suficiente tensión en cada una, ya que se interrumpen continuamente. Además, la evolución de los hechos a veces resulta algo ridícula: al principio, todo el pueblo odia a Carmody; después el prota se echa una cabezadita, y al despertar se encuentra con que todos quieren irse a Waco.

Otro punto que no está a la altura esperable son los efectos visuales. Lucen bien entre la niebla, sí, pero a plena luz “se les nota el cartón”, aunque parece que esto también entraba dentro de los planes del director, interesado en darle un aspecto más cercano a la serie B que a una superproducción.

Los actores varían entre lo decente a lo horrible (ay, ese Thomas Jane), pero hay que hacer un punto y aparte para Marcia Gay Harden. Su personaje es auténticamente infame, y yo no sé hasta qué punto ella lo ha hecho peor, pero es posible que sólo Jar Jar Binks haya aunado más deseos en una sala de cine de verle perecer de la forma más horripilante posible.

Con todo, La Niebla de Stephen King juega sobre un valor seguro que siempre suele dar buenos resultados. Ya sea la oscuridad, el fondo del mar o como en este caso, una densa niebla, la incapacidad de ver más allá de nuestras propias narices es sin duda un temor primigenio que estimula la imaginación y que, en buenas manos, es más efectivo que cualquier monstruo que puedan mostrar en pantalla. Lástima que Darabont se haya perdido un poco ante la falta de visibilidad.

Valoración: regular.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

En fin, veo muy bien que se caracterice al personaje con un lenguaje propio; de hecho hay actores que pasaron a la historia por freses o coletillas de sus personajes, pero me temo que no va a ser el caso del Señor Traficante de Diamantes.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Lo mejor: el magistral uso del flash forward, muy difícil de manejar en la temática de suspense pero si se utiliza bien se convierte en un arma muy valiosa de la que se sirven los creadores de la serie para crear la expectación que la caracteriza.

Lo peor: que se haya parado la emisión a la mitad, dio el efecto de una nueva temporada inacabada.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Lo mejor: despertar de nuevo a ‘el arqueólogo’ después de 19 años y no fracasar en el intento.

Lo peor: ese final…

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Tideland es fruto de la adaptación de la novela homónima de Mitch Cullin que se apoya en la ficción para contarnos la más cruenta de las historias sin caer en el tan recurrido sentimentalismo del que hacen gala tantas películas sobretodo ante la proximidad de los Oscar, Globos de Oro,… me seguís? No en vano, la película fue premiada en 2005 en el Festival de Cine de San Sebastián con el premio FIPRESCI.

Descrita por Gilliam como «el punto de encuentro entre Alicia en el País de las Maravillas y Psicosis», Tideland es la proyección del mundo imaginario que se crea Jeliza-Rose (Jodelle Ferland), ante la situación que le rodea: su madre es drogadicta y muere, su padre (Jeff Bridges, ¿quién sino?) que también es drogadicto no resuelve esta situación (ni ninguna) de manera muy lógica y huyen a una destartalada y siniestra casa en medio de la nada. La niña se evade de este cúmulo de desgraciadas circunstancias adentrándose en lo más profundo de su imaginación y narrando la historia a través de sus ojos. Más allá de lo que de cuento de hadas pueda tener esta película, que sin duda es un claro homenaje a la imaginación infantil, el terror está latente a lo largo de la trama, personificado en los diferentes personajes que se van cruzando por el camino de la niña.

A pesar de la fortaleza del guión, Gilliam ha sabido destacar por encima de éste el lenguaje de la imagen a través de un agradecido derroche de efectos visuales de los que hace gala a lo largo de toda la película. Los colores, como exaltadores de los sentimientos y como potenciadores de la presencia e intenciones de los personajes juegan un papel muy importante. Los movimientos pendulares de cámara transmiten la sensación de delirio, sensación que tiene sus precedentes en la antes citada ‘Alicia en el País de las Maravillas’. De la misma manera el tratamiento de la luz es excelente y fruto de un laborioso trabajo de la mano de Nicola Pecorini.

Recomiendo que invirtáis 122 minutos de vuestro valioso tiempo en ver la película. Por cierto, detallazo del los Cines Yelmo lanzarla en VOSE (versión original subtitulada en español).

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

En esta ocasión lo que nos llega al cine es una adaptación de un relato corto del escritor, y particularmente uno de los mejores que pude leer tanto por su intensidad como por la tremenda parábola que encierra esta historia, en la que un grupo de personas de un pequeño pueblecito pesquero de la costa de Maine se quedan “atrapados” por la niebla, después de que haya cubierto todo el pueblo y que unos extraños seres campen a sus anchas por ella, sin que la persona que se adentre en ella salga para contarlo.

Como veis, podríamos estar hablando de la típica película de bichos, pero nada mas contrario a esta idea, aunque eso si, hay escenas con bichos, y por cierto, bastante desagradables y que no ocultan ningún detalle en cuanto se encuentran con los indefensos humanos. El autentico desarrollo de la película reside entre las relaciones de los protagonistas encerrados dentro del supermercado, actuando como una pequeña comunidad, que tendrá que juntarse y defenderse para poder sobrevivir, pero no solo de los peligros exteriores, sino de los peligros internos, que realmente llegaran a resquebrajar la convivencia y que se sustentan en fanatismos de la gente que busca agarrarse a cualquier cosa para poder seguir unido a la realidad por el fino hilo de la cordura.

Es por eso, que esta película tiene su fuerza en el guión por encima de los efectos especiales, que por cierto, dan cierto regustazo a película de serie B ochentera, ya que aunque en algunos momentos dan la talla perfectamente y parece la típica superproducción, en otros momentos claves de la película cantan demasiado.

Los actores están bastante bien en general, Thomas Jane es bastante convincente en su papel de padre protector, y es en los momentos finales de la película donde mejor se puede comprobar eso, aunque la estrella de la película principalmente es Marcia Gay Harden, que interpreta a la Señora Carmody y que realiza un autentico papelón, consiguiendo odiarla en el primer momento que la ves entrar en el Supermercado.

Atención especial de la película al tramo final, en el que al contrario que la mayoría de películas del genero, el final al que llega, aunque bastante precipitado en su resolución, consigue realmente impresionar, y como no quiero estropear a nadie al final, prefiero no comentar nada mas y que cada uno lo descubra en la pantalla grande.

En definitiva, una buena película basada en Stephen King, para variar, que bebe directamente de las fuentes de las películas con monstruos ochenteras y de la que considero este su gran acierto, dejando un gran sabor de boca y esperando que el binomio Darabont/King siga dando sus frutos

Lo mejor:
La interpretación de Marcia Gay Harden
El tramo final de la película, autentica tensión.

Lo peor:
El cante que pegan algunos de los efectos especiales.
Aunque el tramo final esta muy conseguido, los momentos finales se resuelven con demasiada rapidez, un poco mas de tiempo hubiera estado genial

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

En esta ocasión, Indiana Jones (Harrison Ford) une su camino al del joven e impetuoso Mutt Williams (Shia LaBeouf), que busca al profesor Oxley (John Hurt). Éste ha sido capturado por el ejército soviético, al mando de la implacable Irina Spalko (Cate Blanchett), mano derecha de Stalin. Para rescatarle tendrán que ir hasta Perú, donde deberán desentrañar el misterio de las calaveras de cristal.

En un ejercicio interesante de coherencia, la acción se sitúa también diecinueve años después de la tercera parte, así que nos encontramos en 1957 (con lo cual no cuadra mucho la referencia a Stalin, muerto en el 53), y el enemigo ha cambiado. De la cruz gamada nazi a la hoz y el martillo comunista, aunque lo que no cambia son los peculiares acentos de los enemigos.

Spielberg vuelve de nuevo a incidir en dos de sus grandes obsesiones cinematográficas: una es la familia, claro; la otra me la reservo para los que quieran llegar a la sala sin más pistas de las necesarias, aunque a estas alturas no debería sorprender a nadie. Y sin llegar a ser ninguna de las dos el eje principal de la trama, sí que se intrincan con facilidad entre los tiros y las persecuciones habituales.

Dichas persecuciones son un continuo “más difícil todavía”, en el que cada detalle está asombrosamente planificado y rodado con la maestría habitual del genio de Cincinnati, que algo sabe de esto. Desde el plano en el que vemos parte de la acción reflejada en un espejo retrovisor mediante inteligentes desplazamientos de la cámara (recuerden Munich), hasta los guiños referenciando a las otras aventuras del arqueólogo. Incluso la fotografía tiene el aspecto desgastado y polvoriento común a la saga, señal del mimo que se ha puesto en cuidar cada detalle.

¿Cómo se maneja la irrupción de un “intruso” como LaBeouf en la saga? Pues de manera modélica, ciertamente. Siguiendo la máxima de que “por sus actos les conoceréis”, los personajes se presentan de la mejor forma posible: actuando, lo que les confiere suficiente peso y personalidad como para resultar creíbles, y todos disfrutarán de su minuto de gloria en pantalla.

Tampoco hay demasiada queja de los FX: es cierto que hay pantalla azul, y es cierto también que hay momentos en los que pueden “cantar” un poco, como en la aparición de ciertos animales. Pero no es menos cierto que hay secuencias que serían impensables de rodar sin la decisiva contribución de los ordenadores de la ILM, y el grado de espectacularidad de algunos momentos realmente lo merece.

Hilando fino, fino, uno puede preguntarse si era necesario contratar a John Hurt para el papel de Oxley, o si acaso el personaje de la Blanchett no es hasta cierto punto paródico (y no sólo por un peinado que ya le gustaría a Bardem), pero resulta difícil sustraerse al ritmo frenético de la acción, que sólo se detiene el tiempo justo para que el espectador recupere el resuello, y a la sensación de volver a ver cine de aventuras en su expresión más pura, donde todos los elementos están concebidos para el asombro y disfrute de aquel que se mete en el cine, y durante dos horas, vuelve a sentirse como un niño cuya mayor ilusión sería hacerse arqueólogo. Pero como Indy, claro.

Dos horas de vibrante diversión de la mano del imbatible tándem Spielberg-Lucas. Dos horas con una sonrisa en la cara que se prolongará hasta bastante después de salir de la sala. Dos horas para recordar qué es divertirse en el cine y salir tarareando la inolvidable partitura de John Williams. Lejos de mí queda averiguar en qué lugar situar esta cuarta parte que nada tiene que envidiar a las demás, pero en el fondo, carece de importancia.

Valoración: excelente.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Aún con las retinas irritadas, hablamos hoy de Speed Racer, que debe ser la respuesta de los Wachowski a las campañas de la DGT, en esta adaptación del clásico anime Meteoro (Mach GoGoGo), si bien nos ha llegado con el título que se le puso en inglés, vaya usted a saber por qué.

Speed (Emile Hirsch) sueña desde pequeñito en ser como su hermano Rex (Scott Porter), un extraordinario piloto de carreras que muere en circunstancias extrañas. Un buen día, gracias a una gran carrera de Speed, el magnate Royalton (Roger Allam) le hace una oferta irrechazable: o corre para él, o acabará hundiendo a Speed junto con toda su familia, encabezada por Pops (John Goodman) y Mamá (Susan Sarandon). Speed descubre que Royalton se dedica a amañar carreras, pero para desacreditarle, necesitará la ayuda de Racer X (Matthew Fox), un enmascarado que lucha contra el mal, y de su siempre solícita novia de la infancia, Trixie (Christina Ricci).

Desconozco si hay un límite de información visual que el cerebro es capaz de procesar, pero si así es, los Wachowski se han quedado cerca de provocar daños neuronales permanentes. Es posible que incluso hayan inventado colores que no existían en el Universo conocido para darle ese aspecto de cómic “real”, si es que puede definirse así. Los actores suelen estar rodeados de entornos virtuales, y si bien algunos son ciertamente espectaculares, otros parecen hechos por los responsables de South Park.

Como se puede intuir, donde brilla el filme con luz propia es en las carreras, en las cuales el barroquismo visual de los Wachowski alcanza su máximo esplendor. No cabe duda de que los hermanos de Illinois tienen un dominio importante de la narrativa (como se puede comprobar en los flashbacks continuos de la primera carrera, en el que nos ponen rápidamente en antecedentes de la historia), pero aún así, la complejidad de ciertas escenas y el aceleradísimo montaje hacen que no sepamos bien qué estamos viendo en pantalla, recordando más al viaje final de 2001 que a una auténtica carrera.

Eso sí, entre carrera y carrera quedan unos espacios muertos en los que el ritmo de la peli cae estrepitosamente, y alargándola por encima de las dos horas, metraje excesivo a todas luces para una historia y una producción como esta. Aunque a decir verdad, el mayor borrón del guión es que no se atisba una verdadera tensión durante las competiciones: Speed nunca parece estar en peligro real, ya que en general, cualquier problema se soluciona tocando un botón y haciendo que el coche salte, gire, haga varias piruetas, le salga una rueda nueva o empiece a sonar reggaeton para que todos se pongan a perrear.

Los personajes, como corresponde, son completamente unidimensionales, sin ningún matiz: sería difícil imaginarse a un Speed cuyo padre le pegaba palizas y por eso se da al alcohol, o a una Trixie de un barrio marginal que se quedó embarazada a los ocho años. Todo es muy light y muy happy, para no herir la más mínima sensibilidad. Por haber, incluso hay los guiños típicamente frikis de los Wachowski, como el que uno de los ninjas tenga un llavero de P-Chan.

En fin, una producción que encantará a los más jóvenes, y que quizás indigne a Sáinz y Moya: a ellos cuando se les paraba el coche, era para siempre.

Valoración: regular.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

¡Albricias! Al fin una película de superhéroes sin héroe atormentado ni terribles conflictos internos. Y no es porque el bueno de Tony Stark no los haya tenido, ojo, sobre todo con el noble arte de empinar el codo, sino porque, con buen tino, los guionistas han preferido centrarse en el aspecto más lúdico del tema superheroico.

Así, se nos presenta al multimillonario playboy Tony Stark (Robert Downey Jr.), un fabricante de armas hipermegadestructivas de ultimísima tecnología, bastante cínico e irresponsable, que durante una demostración para el ejército de su nuevo invento, el misil Jericó, es secuestrado por un grupo de insurgentes afganos para obligarle a construir dicha arma. Usando sus conocimientos sobre tecnología, es capaz de escapar, y decide poner fin a la creación de armas, cosa que asombra a su secretaria/”chica para todo” Pepper (Gwyneth Paltrow) y desconcierta a su socio Obadiah Stane (Jeff Bridges), que no ve con buenos ojos ese cambio de orientación de la empresa: a partir de ahora, Stark se enfrascará en la búsqueda del arma definitiva para proteger a los inocentes.

Desde los primeros instantes de Iron Man, con el convoy militar circulando a ritmo de Back In Black, uno ya intuye el afán de divertimento y diversión con el que ha sido tratado todo. Sólo así, y con el carisma que emana Robert Downey Jr. es posible entender que un personaje de tan dudosa moralidad como Tony Stark caiga bien, e incluso que se pueda comprender su rápida evolución.

Durante el primer tramo de película, el ritmo está tan bien llevado, que ni siquiera uno pone en duda que durante su cautiverio, Stark pueda construir una especie de reactor nuclear en miniatura con poco más que una llave inglesa y un par de piezas de Lego, aunque uno, después de haber visto en acción al Equipo A y a MacGyver, le cuesta sorprenderse ante este tipo de cosas.

En el momento que la trama se vuelve algo más seria, coincidiendo con el final de la puesta a punto de la armadura, la peli pierde algo de fuelle, y da la impresión de que los acontecimientos se precipitan con demasiada celeridad. Esto lo sufren sobre todo personajes como Jim Rhodes (Terrence Howard), que no se sabe muy bien qué pintan en esta entrega (aunque los seguidores de los comics conocen de sobra a Rhodey), y con un enfrentamiento final más flojo y mucho menos espectacular de lo que merece la película.

Como antes queda dicho, Downey Jr. es el alma y motor (guiño) de la peli, y queda claro que no le supone esfuerzo dar vida a un personaje que se pasa media peli reventando cosas y la otra media agarrado al vaso de whisky: tablas en esos aspectos no le faltan (guiño guiño). Jeff Bridges también está bien, aunque al final su personaje se vaya un poco por los cerros de Úbeda. Los demás son simples comparsas, pero nada que moleste demasiado.

Pero no cabe duda de que con Iron Man cualquiera puede pasar un buen rato: el espectador medio disfrutará de sus magníficos efectos, y el divertido personaje que compone Downey Jr.; y el aficionado a la Marvel también se entretendrá cogiendo las pistas y referencias que han ido dejando los guionistas. Para estos últimos espectadores es recomendable que vean la escena final que se oculta tras los créditos, que posiblemente asombre y decepcione a partes iguales.

Valoración: buena.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Después de haber visto Shoot’em Up, tengo claro que es el prototipo de película de acción que a todos nos gustaría hacer cuando teníamos 11 años o menos. Lo curioso es que, mientras a los demás esa sensación se nos pasa con el tiempo, eso no ha sido el caso de su guionista y director, Michael Davis, que al parecer se quedó anclado en la pubertad: tal es el cúmulo de absurdidades que se suceden en pantalla.

Smith (Clive Owen) se ve involucrado en un tiroteo para salvar la vida de una embarazada y su bebé. Aunque ella muere, consigue escapar con el bebé, con lo que pasa a convertirse en blanco de Hertz (Paul Giamatti) y sus secuaces, que los quieren muertos. Para cuidar del bebé, Smith recurre a un prostíbulo en el que trabaja Donna (Monica Bellucci), que también se acabará viendo metida en el lío, mientras Smith intenta averigüar por qué quieren al bebé muerto.

Esto es más o menos la historia, que ocupa aproximadamente unos tres minutos. Lo demás son tiroteos imposibles, toneladas de pólvora y mares de sangre, además de una escena de sexo tan bizarra que podría casi rivalizar con la de Crank.

En realidad, a pesar de que la historia apenas se sostenga, no debería ser ningún problema para una peli de tiros. Más bien yo se lo achaco a que, si tienes a alguien como Bruce Willis en pantalla, sabes que es capaz de sostener la película por sí sólo; sin embargo, cuando pones al frente a alguien como Clive Owen, que el hombre tiene menos carisma que una tostadora, la cosa se derrumba. No voy a valorar sus virtudes interpretativas, que intuyo que se las debía dejar en casa antes de rodar, porque viéndole, entra la duda si lo hace tan mal a propósito o no. Paul Giamatti está a tono con la película, es decir, desbocado, si bien este no es sospechoso en cuanto a talento; y de la Bellucci, lo mejor que se puede decir es que va cumpliendo años con absoluta dignidad (física).

Lo que no se le puede negar a Davis es su capacidad para sorprender al respetable: cuando uno piensa que ha llegado al límite de su asombro, hay una nueva vuelta de tuerca, que a más de uno le hará frotarse los ojos de incredulidad o bien pellizcarse con saña, mucho menos recomendable. Todo se sustenta sobre la base del “más difícil todavía”, y bajo esa premisa circense, la realidad se va retorciendo todo lo posible, en un crescendo continuo, que ha de ser aceptado como viene. Eso sí, es difícil aburrirse, aunque sólo sea por los 86 minutos que dura, y por la cantidad de cadáveres que va dejando el señor Smith a su paso. Y es que la vida de extra no paga…

En definitiva, Shoot’em Up, como bien indica su título, no engaña a nadie, y ofrece lo que promete a manos llenas, si bien necesita de la entusiasta colaboración del espectador para dejarse llevar por un torrente de acción a raudales que transcurre a golpe de rock, y llegar a disfrutar con la sátira/homenaje de un género bastante machacado, aunque Clive Owen no haya nacido para recitar punch lines. “If you want blood, you got it”, que cantan los AC/DC.

Valoración: regular.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Luke Wilson interpreta a Joe Bauers, un bibliotecario del ejército que es elegido, por ser un tío de lo más insulso, para un proyecto secreto que consiste en hibernar durante un año en una cápsula. El conejillo de indias femenino que lo acompaña en su estrepitosa misión es Rita (Maya Rudolph), una prostituta elegida al azar por el gobierno. Debido a un error del ejército se despiertan 500 años más tarde y se encuentran con que la sociedad ha cambiado, la gente se ha vuelto idiota, el lenguaje completamente degenerado, todo está promocionado por marcas de refrescos, y el cerebro de los americanos flotando en queso para hamburguesas con lo que Joe se convierte en el hombre más inteligente de la Tierra.

La película esta llena de idioteces descojonantes que esconden una llamada de atención y una invitación a la reflexión, me llamó especialmente la atención el tema del agua, que había sido sustituido por una bebida energética cuya marca dominaba el mercado bursátil, así como la gestión de residuos o más bien la no gestión de residuos que generaron montañas y montañas de mierda esparcidas por toda la ciudad; en el primer caso, no hay nada que decir, nadie se imagina vivir sin agua y esta cuestión lleva acarreando múltiples y serias discusiones en el gobierno y fuera de él durante los últimos años.

Lo mejor: el uso de la sátira me parece una opción acertada frente al documental para defender la idea de ponerle freno a la desatada fiebre consumista y sus no tan especuladas consecuencias.

Lo peor: la necesidad de un enternecedor final con enternecedora música de final, no hacía falta…

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

La Noche es Nuestra está enmarcada en el Nueva York de 1988 y al contrario de lo que el film aparenta ser: una película de polis de los 80, es más un análisis de la descomposición del núcleo familiar, un tema que por lo visto fascina al autor ya que sus tres obras giran en torno a este. Trata de la relación que tiene Bobby Green (Joaquin Phoenix) con su padre (Robert Duvall) y su hermano (Mark Wahlberg). Bobby Green es un chico que ha crecido en un ambiente nocturno regentando una discoteca donde la droga fluye como en cualquier otra parte del Nueva York de la época, en cambio su hermano ha seguido los pasos de su padre y junto con él destaca en el cuerpo de policía (entendido más bien como una comunidad que como el cuerpo en si mismo tal y como lo conocemos a partir del cine policiaco en general).

En la historia los intereses de ambos bandos se cruzan, los polis tienen que coger a los malos traficantes y por el medio anda atravesado su hermanito: no es tan importante lo que cuenta que CÓMO lo cuenta, es aquí donde el cine de Gray destaca del resto. No va en busca de una idea original, de hecho, no cuenta nada que no haya contado en ninguna de sus películas anteriores. La manera que tiene de contar las cosas con la cámara y más en esta donde le da un estilo viejo para que pareciera que hubiese sido filmada en 1988, las panorámicas verticales de las que hace un uso no precisamente comedido pero que le aportan distinción al film y merman la reiteración de otro tipo de planos. No quería dejar a un lado el papel de Eva Mendes, como el arquetipo femenino de la trama: Gray compara este papel con el que Diane Keaton interpreta en El Padrino en el sentido de que “esta es mostrada deliberadamente desde la perspectiva de los demás”. Es un punto de vista interesante y que igualmente involucra al personaje y justifica su presencia. Hay dos cosas fundamentalmente que han llamado mi atención: por una parte la dirección artística que me parece cuanto menos impecable, muy trabajadas todos los ambientes, la música, los modos de vivir de los rusos y de los policías y sus familias, etc.; y por otra, la fotografía, que da en el clavo con ese look ochenteno pero como decía el propio Gray en una entrevista publicada recientemente, huyendo de los colores pastel predominantes en Corrupción en Miami, que nada tiene que ver con la situación neoyorquina de La Noche es Nuestra.

El hecho de que tarde siete añazos en realizar un film hace que te marques unas expectativas muy altas de cómo va a ser la película y eso en cierto modo puede ser negativo para el espectador y aunque las película nos satisfaga, la sensación de haber esperado más de ella hace nos parezca peor de lo que en realidad es. Creo que este es un fallo que se toma muy a la ligera pero que puede influir en la acogida de la obra.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Como no podía ser de otra manera, el film está protagonizado por el binomio Depp – Bonham Carter a través del cual, Burton plasma su singular estética en el celuloide. Como algunos no la habreís visto aún no voy a desvelar detalles de la trama, solo deciros que el personaje al que Johnny Depp le da vida (Benjamín Baker) busca venganza a golpe de navaja de barbero para lo que se sirve de la Sra .Lovett (Helena Bonham Carter).

El musical de alguna manera suaviza la brutalidad de los hechos además del toque burtoniano de hacer enternecedores los momentos mas cruentos: como trata la muerte, el canibalismo, etc, sin provocar ni por asomo las sensaciones que emergen de una película de terror.

En cada nueva película, Burton puede con lo que le echen, consigue reinventar el género musical y darle su toque personal que hemos visto ya desde sus inicios. Semejante estilo visual no se escapa de las muy buenas críticas (86% de críticas positivas) y de los galardones: ganadora de Globo de Oro a mejor película y mejor actor (Johnny Depp), nominado al Globo de Oro Helena Bonham Carter como mejor actriz y Tim BUrton como mejor director.

Se llevó el Oscar a mejor dirección artística (de la mano de Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo). Yo no voy a ser menos y me sumo al mogollón de críticas positivas: Tim Burton ha conseguido que disfrutara de un musical!!

Lo mejor: ni que decir tiene que la estética siniestra, liderada hasta hoy por Burton, está lograda hasta en la última gota de sangre.

Lo peor: la necesidad de alargar demasiado la historia paralela de Johanna.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Anderson nos sitúa en tres tramos de la vida de Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis), un minero metido a empresario petrolífero, que a medida que va teniendo éxito en sus prospecciones, se vuelve más huraño e irritable. Su duro carácter chocará también contra el de Eli Sunday (Paul Dano), un predicador iluminado que desea que su iglesia también se beneficie del boom del oro negro.

No cabe duda de que Paul Thomas Anderson sabe usar la cámara. El aspecto visual de su obra demuestra que Anderson maneja con soltura los recursos estilísticos que ofrece el cine sin necesidad de buscar utilizar toda clase de ángulos extraños o forzadas composiciones. El director californiano muestra un catálogo casi inacabable: largos planos secuencia, travellings, picados y contrapicados, contrastes crudos (apoyados en una magnífica fotografía a la que sólo podemos referirnos como “crepuscular”), elipsis temporales, fundidos a negro…

Toda la película gravita en torno a la figura de un excelso Daniel Day-Lewis, tan contenido en unas escenas como desbocado en otras, que precisamente son aquellas en las que mantiene su particular enfrentamiento interpretativo con Paul Dano (al que ya viésemos en Pequeña Miss Sunshine, y que, a pesar de ciertos excesos, también compone un personaje de mérito). Quizás dichas escenas se salgan un poco del tono general del filme, pero visto lo peculiar del hilo narrativo tampoco es excesivamente extraño.

Este es uno de los problemas principales de Pozos de ambición: no es posible seguir la evolución dramática de los personajes al completo. Unas veces porque aparecen y desaparecen de escena. Otras veces porque existen cortes temporales abruptos que dejan al libre albedrío del espectador imaginarse qué ocurre entre medias, y por qué. Los diálogos, además, no son especialmente abundantes, y los pocos datos que podemos tener de los personajes se basan en lo que Anderson nos deja ver.

Llamativa resulta la música de Jonny Greenwood, componente de Radiohead, que encantará y espantará a partes iguales. Lo que está claro es que no dejará indiferente a nadie. No dudo de lo adecuado de ciertas atmósferas sonoras que consigue, pero hay veces que parece luchar por imponerse sobre la imagen. La verdad es que, con otra música, estoy seguro de que Pozos de ambición sería otra película distinta, quizás mejor, quizás peor.

Por encima de todo, la obra de Anderson es fascinante y envolvente como pocas. Resulta difícil no dejarse llevar por los sentidos y disfrutar de los andares torpes y cansados de un Day-Lewis que nos lleva de la mano en el descenso hacia lo peor del alma humana; un alma que, al contacto con el viscoso y oscuro petróleo, se ennegrece por momentos de forma irremisible. Un intento tan pretencioso como cautivador de desmitificar aquella dura y terrible California del siglo XX.

Valoración: excelente.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog

Juno (Ellen Page) es una chica de 16 años que, tras practicar el sexo con su novio/amigo/compañero Bleeker (Michael Cera), se queda embarazada. Al principio decide abortar, pero la clínica le provoca bastante mal rollito, con lo que decide tenerlo, y darlo en adopción a una pareja modelo formada por Vanessa (Jennifer Garner) y Mark Loring (Jason Bateman), con el visto bueno del padre de Juno, el ex-militar Mac MacGuff (J. K. Simmons) y su madrastra Bren (Allison Janney).

Al frente de la película está Jason Reitman, cuya anterior película, Gracias por fumar, era una crítica inteligente y ácida sobre el mundo del tabaco (y fíjense que digo “sobre” y no directamente “contra”). Sin duda, Juno es bastante menos mordaz, convirtiéndose en una cinta esencialmente amable, aunque verse sobre un tema a priori tan delicado como es un embarazo no deseado en la delicada fase de la adolescencia.

El guión corre a cargo de Diablo Cody, que ha pasado de stripper a solicitada guionista (su blog de MySpace tiene bastante éxito, por cierto), y está repleto de buenas intenciones, al estilo de otras comedias como Amelie, aunque bastante más procaz en su lenguaje que la cinta francesa. Eso sí, sin haber visto la versión original, es difícil saber cuántas de esas expresiones proceden del guión y cuántas de las peculiares adaptaciones que hacemos aquí. Se le puede achacar, sin embargo, que algunos personajes que debieran ser más importantes no están tratados con demasiado esmero. Por ejemplo, cabría esperar que Bleeker (el padre del bebé), tuviese algo más de peso en la trama, o que se explorara algo más su relación con Juno. Tampoco deja de resultar sorprendente que un ex-militar se tome con tanta tranquilidad que su hija de 16 años esté embarazada, pero, como ya digo, todos los personajes resultan ser tremendamente positivos.

Y es que, en realidad, pocos atisbos hay de conflicto dramático, y tampoco hay una gran evolución de los personajes: a lo más que llegan algunos es a replantearse sus sentimientos. El hecho de quedarse embarazada tan joven no parece tener ninguna influencia (ni mala ni buena) en la vida de la protagonista, más allá de la molestia de que no le valga la talla 34 de Zara, y tener que sujetarse la barriga al sentarse. Eso sí, justo es reconocer que, entre el tono tan liviano por el que transcurre la peli, Diablo Cody se las apaña para conseguir un par de momentos verdaderamente tiernos que no desvelaré aquí, pero que reconocerán fácilmente.

La otra gran baza es la interpretativa. Todos los actores y actrices brillan a gran nivel, consiguiendo que sus personajes, por muy peculiares que sean, se conviertan en naturales e incluso entrañables. No obstante, a veces se cargan las tintas algo más de lo necesario en las expresiones barriobajeras de Juno para remarcar más profundamente la fractura social que la separa de la pudiente pareja formada por Mark y Vanessa. Aún así, el talento y la dulzura que desprende Ellen Page (quizás sobre todo conocida por su inquietante papel en Hard Candy) se bastan y se sobran para eclipsar cualquier otra cosa en la pantalla. Ellen Page (que cumplirá la semana que viene 21 años) tiene ese físico que le permite resultar adorable en cualquier papel, y no desentona aunque haga de alguien bastante más joven, como pasa con Alison Lohman. Evidentemente, lo tiene casi imposible para llevarse la estatuilla a mejor actriz, donde Julie Christie y Marion Cotillard brillan sobre todas las demás, pero no sería tan descabellado que la Academia se dejase embaucar por su encanto.

Juno es una comedia fresca y simpática, de las que logra mantener la sonrisa del espectador durante todo su metraje, y si bien no reviste la misma carga de profundidad de otras obras como las anteriormente mencionadas, no cabe duda de que es una alternativa digna y agradable, además de resultar un sorprendente debut de Diablo Cody como guionista. Pero eso sí, recuerden que, en general, los embarazos no resultan tan agradables, ni se resuelven en hora y media. Cualquier parecido con la realidad…

Valoración: buena.

Publicidad: Un blog del anillo Minoic.net: A Clockwork Blog