Muy buena película, que de seguro los amantes (y los que no lo son), de este género, disfrutarán de lo lindo, y dirigida por el también actor Spike Lee, contándonos una historia que, para mí tiene un argumento muy ingenioso: el enfrentamiento entre un policia y un atracador, durante un secuestro… Como digo, muy ingeniosa y a la vez original, y es que la historia logra hacerte entrar en ella, desde el primer instante, dandote la sensación de que más que un espectador, eres un personaje más de la trama. Para mí el bueno de Lee, ha dado en el centro de la diana, te encuentras eso sí, con algunos tópicos, cosa normal en este tipo de películas, pero la verdad, es que nos encontramos ante una buena pieza, puesto que tiene cosas muy buenas, sobre todo el fenomenal reparto de actores, destacando Denzel Washington, como el duro policia, y un desconocido (pero para bien) Clive Owen, como el inteligente atracador, pero amigos mios, también está una Jodie Foster, con un personaje creado a su medida, y ¡ojo!, al extraordinario Christopher Plummer. En fín, una película muy bien elaborada, muy interesante, y por supuesto muy entretenida.

Sobresaliente.

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Matrícula de Honor.

Como dato histórico, Peter Kurten, el tristemente famoso vampiro de Düsseldorf, mató a 79 personas y fué sentenciado a siete penas de muerte. El dia 31 de julio de 1931 fué guillotinado en la prisión de Klingelputz.

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Matrícula de Honor.

Estos fueron los ocho óscars, logrados por “My Fair Lady”: Mejor pelicula, director, actor (Rex Harrison), sonido (George R. Groves), fotografía (Harry Stradling), decorados (Gene Allen, Cecil Beaton, & George James Hopkins), adaptación musical (André Previne), y diseño (Cecil Beaton).

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“Espere amo, puede ser peligroso…usted primero”.

La mítica película de la Universal, basada en la novela de Mary Shelley y dirigida por James Whale, con Colin Clive y Boris Karloff, pasada por el tamiz de la más disparatada parodia gracias a la mano maestra del fenomenal e incorregible Mel Brooks, dió como resultado una de las comedias de ¿terror? más eficaces y divertidas de las últimas décadas. Así pués, el aquí extraordinario Brooks nos cuenta las andanzas de Frederick Frankenstein, un médico americano que tiene que acudir al castillo de uno de sus abuelos que este posee ni más ni menos que en Transilvania, para hacerse cargo de la mansión, pero que no tardará en descubrir lo que se le viene encima… Divertidísima de verdad, una de las mejores parodias de todos los tiempos, y con unos personajes que ya de por sí han pasado a la historia del cine. Cuenta con una fotografía de Gerald Hirschfeld en blanco y negro, dando a la película un aspecto de auténtica siniestridad, pareciéndole a uno de haber estado rodada en los años de los comienzos del cine sonoro. Pero donde Mel Brooks acertó de pleno fue en la elección de los actores, con un trio de auténtico descacharre: Gene Wilder (colaborador en el guión junto a Brooks), Peter Boyle y Marty Feldman, pero ¡ojo! que también sale un ratito el “ciego” de Gene Hackman (irreconocible, por cierto), en una escena que se le parte a uno el culo de tanto reir. En fín, una de esas pocas películas “de risa”, de las que verdaderamente me han hecho reir, pero con ganas. Una película tronchante y demencial. Una película que para mí es una verdadera joya.

Matrícula de Honor.

Y a modo de anécdota curiosa, y para darnos cuenta ante que clase de película nos encontramos, se rumoreaba por allí que Brooks, las pasó “canutas” en el rodaje, ya que era casi imposible que los actores no se troncharan de risa en las tomas.

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-No… Pero tampoco soy el peor.

Una magistral película, si señor, dirigida e interpretada por el impagable Clint Eastwood, y contándonos una buena y estupenda historia: la vida de un asesino, huido de la cárcel, y que durante su huida toma como rehén a un niño… Muy buena de verdad, y el caso es que su argumento es sumamente sencillo, pero hay que descubrirse porque el director hace una auténtica maravilla de él. La película se la podría definir como una road-movie muy entretenida, en la que el asesino y su rehén se identifican tanto y de tal manera, que llegan incluso a hacerse “cómplices”. Cuenta como no con unas escenas extraordinariamente conseguidas, y por supuesto realmente creibles, aunque la del final sea verdaderamente dura y cruel, pero como digo muy creible. Extraordinario el mano a mano entre el dúo protagonísta, con el mencionado Eastwood, dando vida a Red Garnett, ese jefe de policia dispuesto a todo, y sombrerazo para Kevin Costner (para mí, en uno de sus mejores papeles), metido en la piel de Butch Haynes, el peligroso e inteligente asesino, y entre estos dos monstruos T.J.Lowther, un chaval de apenas siete años, que está impresionante. Y solamente decir que, el mundo por supuesto nunca será perfecto, pero de lo que no cabe la menor duda, es que esta película, es para mí, infinitamente perfecta.

Sobresaliente Alto.

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Thomas Mann. Fragmento de “Muerte en Venecia”, 1912.

Algo tiene Venecia. Cuando estuve allí me parecía vivir dentro de un sueño irreal: nada parecia cotidiano o próximo. La ciudad de los canales, la ciudad que se hunde, la del mar verde vahído, con sus gaviotas como pinceladas blancas, con el cielo de un gris de tormenta: te atrapa y te hace olvidar el tiempo con asombrosa facilidad. Nada está donde debería y todo ha retrocedido cien años atrás desde que bajaste del avión. La decadencia come cada adoquín del suelo y cuando miras hacia el horizonte la visión parece un cuadro. Los edificios, inmortalizados para siempre en algún momento del siglo dieciséis, bullen de gente extraña. Alguien, un hombre vestido como Dorian Gray, toca un piano junto al café Florian y a ningún turista se le escapa que a los venecianos les parece un detalle de lo más normal, mientras yo agonizo como embriagada de mitomanía y fetichismo. Nadie tiene prisa. Estatuas de oro, iglesias de aire turco, patios olvidados, callejones inmundos, ventanas que encierran salones antiquísimos. Todo pasa por delante de ti. Y de pronto, se pone a nevar.

No me extraña de ningún modo que el novelista Thomas Mann sintiera el poder conmovedor de esta ciudad cuando vino a sus playas del Lido en 1911; la inspiración fue tal que un año después daba a luz su célebre novela “Muerte en Venecia”, un compendio de sus más íntimos ideales estéticos y de sus propias reflexiones sobre la decadencia y la belleza.

Tendrían que pasar casi sesenta años para que alguien se atreviera a filmar aquellas líneas. La empresa no era fácil: la historia comprometía además de un buen número de ideas provenientes de Nietzsche y Schopenhauer, a los que Männ admiraba, una relación sin palabras entre un joven adolescente llamado Tadzio y un hombre ya maduro, un escritor a más señas, Von Aschenbach, una mezcla entre Mahler, Nietszche y el propio Mann.

Visconti, el elegido, fue inteligente. A pesar de ser homosexual confeso y de que escogió a otro actor homosexual, Dirk Bogarde, para el papel principal, trató el asunto con suma delicadeza, lo justo para que nos percatemos de que los guiños homoeróticos no son más que un mero accesorio a la auténtica tragedia de la que nos hace partícipes. “Muerte en Venecia” no es exclusivamente una historia de amor ni un canto homosexual, como erróneamente se la ha considerado con frecuencia: es una historia del ocaso inevitable de la burguesía, es una historia sobre las pasiones reprimidas, la juventud perdida, la incapacidad de amar y por lo tanto de crear, el haber recapacitado cuando ya es tarde; es una historia sobre la enfermedad, la hipocresía, la fatal huída de uno mismo; sobre la inutilidad de resistirse a la tentación, sobre la terrible opresión que la belleza crea en un ser sensible; como dijo el propio Mann, Von Aschenbach reacciona así ante la plenitud insolente de la hermosura de Tadzio, porque mientras él crea belleza de forma artificial, Tadzio la posee en sí mismo de manera natural.

No se le puede negar a esta película su apabullante facultad, su poder exquisito, para crear una serie de imágenes de una ensoñación visual tan sedosa, profunda, que nos causa conmoción, que nos deja atados en la silla; no hay violencia -sí tragedia-, ni bellas damas explosivas, ni coches que saltan por los aires, pero, no sabemos porqué, no podemos levantarnos de la silla. Mahler suena de fondo y nos sentimos desarmados, pasando de la vergüenza al patetismo, del dolor a la compasión, de la opresión a la total adoración de lo que vemos, sin reservas; porque como dijo Wilde, “aquellos que ven solamente belleza en las cosas bellas, ésos son los elegidos”.

[Vía:La espiral Roja]

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Con una sensacional fotografia en un color más bien oscuro, para dar aún más esa sensación de terror. Una banda sonora que es todo una maravilla (y por supuesto óscar para el bueno de Jerry Goldsmith), y unas actuaciones colosales, tanto de el camaleónico Gregory Peck, como de la exquisita y sensacional Lee Remick, pero atención al niño Harvey Stephens, que parece venido de otra galaxia, extraordinario el chaval (aunque creo que fué la primera y última aparición delante de las cámaras).

En fín, una terrorífica película, que tuvo un par de secuelas más e incluso un remake, pero ninguna ha llegado a alcanzar el climax y por supuesto la fama de esta “profecía”.

Sobresaliente Alto.

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La película está inspirada en una obra de Gustave Flanbert concretamente en “Madame Bovary”, y Lean por supuesto la sacó todo el partido necesario para convertirla en una auténtica obra maestra. Extraordinaria fotografía a cargo de Freddie Young (óscar para el amigo), y fenomenal banda sonora a cargo del maestro Maurice Jarre (creo que esta fue la tercera intervención junto a Lean), y el apoteósis, los intérpretes, todos extraordinarios, con un Robert Mitchum a la cabeza, dando vida a ese maestro rural, y a su lado su joven ¿esposa?, Sarah Miles (para mí el mejor trabajo de su carrera), pero también están dos colosos del cine británico: Trevord Howard y John Mills (óscar para Michel). En suma, una buenísima película, con una fenomenal puesta en escena, y en la que el genial director no escatimó absolutamente en nada. Y como no super-recomendable.

Matrícula de Honor.

Como curiosidad, el dia de la entrega de los óscars y cuando Sir John Mills, subió a recoger la preciada estatuilla, como mejor actor secundario, pues no dijo ni media palabra, el motivo fue, que quiso hacer un homenaje a su papel en la película, un hombrecillo aquejado de un parálisis cerebral y por supuesto sordo-mudo. Genio y Figura.

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Extraordinaria película de terror-psicológico, dirigida por Rob Reiner (aquí en estado de gracia), y en donde adapta a las mil maravillas otra novela de ese camaleónico escritor llamado Stephen King. Y es que Reiner nos cuenta una alucinante historia: las peripecias de un escritor que un día tonto, tiene un accidente, y le socorre precisamente su más fiel admiradora… el resto para verlo.

Una película que es la “leche que la dieron”, porque hay que ver la manera de sufrir, a costa de una sola mujer, y aquí el bueno de Reiner te lo cuenta de una manera sumamente inteligente, llegando a crear momentos muy brillantes, sobre todo, recreándose en los primeros planos de la protagonista. Cuenta con una fenomenal fotografía, que hace a la película aún más efectiva. Pero amigos míos, aquí la madre del cordero es ni más ni menos que una extraordinaria “gordita”, llamada Kathy Bates (Óscar, con globo de oro acompañado, para Annie Wilkes), y es que la verdad la niña está que se sale, vamos que nada más que salir a escena, ya a uno se le ponen los pelos de punta, aunque también hay que descubrirse ante James Caan, dando vida al sufrido escritor, lo que todavía me pregunto eso sí, que es lo que pinta en esta película, la mítica Lauren Bacall.

En fin, una fenomenal película de terror, pero del bueno, mucho ojo, y si todavía alguno-a, no la ha visto, pues no se a que espera, porque esta “Misery”, no tiene desperdicio alguno.

Sobresaliente Alto.

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Muy buenas interpretaciones de esa pareja de “monstruos sagrados”, como son Dustin Hoffman y Meryl Strepp (Oscar para los dos), y sín olvidarnos de Justin Henry, un niño de ocho años, que hizo aquí su debut (y la verdad es que lo hizo bastante bien), pues incluso estuvo nominado. En fín, una película que arrasó por estos “barrios”, llevada con buen ritmo narrativo aunque, quizá viendola ahora, casi treinta años más tarde, la cosa cambia un montón, y la película queda en un producto pasable, pero eso sí, que la quiten lo “bailao”.

Notable Alto.

“Kramer contra Kramer”, logró los siguientes óscars en 1979. Mejor película, director, Robert Benton, actor, Dustin Hoffman, actriz secundaria, Meryl Strepp, y guión adaptado Robert Benton.

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La gran evasión, es un alarde de ritmo y progresión jamás visto en una película de género bélico, y más en concreto de fuga de prisioneros de guerra. Y es que Sturges nos cuenta de forma minuciosa, extraordinaria y laboriosa, la preparación de una gran fuga en un campo de concentración alemán. Con un “ramillete” de actores de auténtico lujo, todos metidos en sus papeles de una forma sensacional (a Steve McQueen, no le dobló nadie, en la famosa escena de la motocicleta), que secuencia, madre mía, para verla y no para contarla. Es púes, una película de historia y para la historia, una película de las que te dejan marcado para siempre.

En fin, ¿qué más se puede decir de este gran peliculón?, porque lo de su banda sonora, obra del extraordinario Elmer Bernstein, os lo dejo para vosotros. Y nada más porque creo que de esta sensacional película, ya está todo dicho. Solamente, una cosa…

¡¡¡Viva el licor de patata!!!

Matrícula de Honor.

[Vía | Pablo Cine]

Glenn Ford realizó en su larga y extraordinaria carrera cinematográfica más de setenta películas, pero quizá la que le consagró definitivamente, fué GILDA.

“No ha habido nunca una mujer como GILDA”

“Gilda” es, Rita Haywort, un guante, una canción y el “tortazo” que la suelta Glenn Ford. Pero además es una obra maestra dirigida por un extraordinario Charles Vidor. Una película que se convirtió en todo un icono del cine erótico de su época. “Gilda, es una fenomenal película en la que todos los detalles están sumamente cuidados al máximo. Una fotografia maravillosa, una dirección artística impagable y lo que es mejor unas actuaciones prodigiosas, con un Glenn Ford destilando una química insuperable, junto con una Rita Haywort, en el papel de su vida y para toda su vida. En fín, una película para saborearla, una película imprescindible, una película de…

Matricula de Honor.

A modo de anécdota, sobre el desaparecido Ford, diré que era el actor que más rápido ha desenfundado en la historia del cine: lo hacia en cuatro décimas de segundo.

Hasta siempre amigo Glenn.

Matrícula de Honor.

Estos fueron los óscars logrados por “El golpe”: Mejor película, director, guión original (David S. Word), decoración (Henry Bumstead y James Payne), banda sonora (Marvin Hamlisch), montaje (William Reynolds) y, vestuario (Edith Head). (casi ná, como diría un castizo).

[Vía | PabloCine]

Cuenta con un guión sencillo, pero claro, que el genio de este hombre lo hace grande y extraordinario, empleando una técnica sorprendente y con unos decorados de gran altura (que dada la época de su realización, 1931 es para descubrirse). De las escenas, que va a decir uno, todas extraordinarias, pero hay que destacar la de la niña en el lago, que ha pasado a la historia (según creo, fue censurada en varios paises, el dia de su estreno). Y que decir de los intérpretes, con un Boris Karloff, que llegó a convertirse en un mito, gracias a esta película. En fín, todo un clásico del cine de terror, no superada todavía, a pesar de todo el adelanto técnico con que cuenta el cine actual, y es que amigos mios, los años a esta película no la han envejecido, al contrario, parece como si hubiese sido rodada hace cuatro dias.

Matrícula de Honor.

[Vía | Pablo Cine]

Sobresaliente.

Y a modo de curiosidad decir que, algunos críticos dijeron que, el óscar otorgado a Newman, fué de manera simbólica, ya que la Academia sentía vergüenza ajena, al no habersele concedido el año de El buscavidas,puesto que el máximo candidato como mejor actor era James Wood, por su interpretación en “Salvador”.

[Vía | Pablo Cine]

Pretenciosa pero sin llegar a grandes objetivos, la película trata de acercarnos al lado “oscuro” de Peter Sellers de la mano de Geoffrey Rush, tal vez, poniéndonos optimistas, uno de los aciertos de la película junto con la elección de Charlize Theron como Britt Ekland.

Rush, aún con el deje demencial de su impecable Marqués de Sade en “Quills”, interpreta a Peter Sellers, centrándose en su vida desde sus primeros pinitos en el cine, hasta su desaparición del Goon Show, hasta el final cuando ruede, solo y acabado por las drogas, “Bienvenido Mr. Chance” (Being There). En 122 minutos, Hopkins te mete toda la vida de Sellers compacta y ¿tal vez? exagerada a su conveniencia. Estoy al tanto de que Peter Sellers era adicto a la heroína, que era incapaz de ser él mismo, que caía en la broma y en el inoportunismo en los momentos graves, que era mujeriego, incapaz de llevar una relación seria (se casó ¡cuatro veces!) y que solía comportarse como un bebé, pero Stephen Hopkins lo tiene tan, TAN claro, que lo explota de forma irreverente y fuera de lugar en muchas ocasiones. La elección errónea de algunos miembros del reparto como, a mi gusto, creo que fue Sonia Aquino como Sophia Loren, opción completamente inadecuada, como de Emily Watson como Anne Sellers, una alternativa paródica de la propia actriz, termina de dar ese regusto “recién empaquetado”, falso, hollywoodiense, del que huyo como del diablo.

¿Otro error? La elección de la música. A no ser que seas Bazz Luhrmann, dudo que te puedas permitir el lujo de reinterpretar “hits” de los sesenta, como “You make me feel so young”, de Sinatra, al estilo actual-michaelbublesco y casarlo con una ambientación de 1965 sin caer en el chirriamiento visual y conceptual. ¿Resultado? Un anacronismo superficial y como de plástico. La caracterización, por cierto, no se merece precisamente un diez. Si bien Geoffrey Rush da el pego en muchas ocasiones haciendo, por ejemplo, de Peter Sellers haciendo a su vez de Dr. Strangelove, el resto de la interpretación es algo flojera, cayendo en tópicos y dejando la sensación de seriedad para otros; Blake Edwards, interpretado por John Lithgow, parece poco más que una máscara de cera del Team América, y demasiado alegre y despreocupado para ser el verdadero Edwards; Stanley Tucci, simplemente, no es Kubrick. El desconcertante niño de “Los Otros”, James Bentley, hace de ídem como hijo de Peter, Michael; y, a pesar de su belleza e innegable parecido físico con Britt, la tercera esposa de Sellers, Charlize Theron queda relegada a un papel meramente físico y florero, si acaso, ligeramnete dramático. Para colmo, Stephen Hopkins trata de redondear el pastel sixties con una poco convincente fotografía (¿quién es capaz de creerse ese efecto de la cámara de 35 mm casera?) y con la intrusión de grandes secundarios como Stephen Fry o Miriam Margoyles, sin terminar de dar el empuje necesario a una cinta, salvada únicamente por los ingenios y retruécanos que se hace Rush para emular al viejo, viejo genio de Sellers, por otro lado, completamente imposible de recrearse jamás.

Sin estar nominada a ningún Óscar, sin embargo, y a pesar de mi ácida revisión, “Llámame Peter” ganó dos Globos de Oro en el 2005: Mejor película hecha para televisión y mejor actor (Geoffrey Rush).

[Vía | La Espiral Roja]

Matar a un hombre es algo despreciable. Le quitas todo lo que tiene, y todo lo que podría llegar a tener.

Una película con mayúsculas dirigida e interpretada por el fenomenal Clint Eastwood y, en la que sosprendió a todo el mundo rescatando del olvido el género del western… y de que manera. Sin perdón, es un personalísimo y crepuscular filme, que para mi, se distancia de algunos titulos de Sergio Leone e incluso del maestro John Ford, porque da a sus personajes una profundidad jamás vista en una película del oeste. Y esto por supuesto es lo maravilloso de este largometraje. Con unas extraordinarias interpretaciones, donde todos están en sus puestos, pero con un Gene Hackman (óscar al “talego”), soberbio.

En fín, que hay mucha tela que cortar en esta extraordinaria película, y quiero ser breve. ¡Hay que verla!, pero ¡Ya!.

Matrícula de Honor.

Sin perdón, tuvo nueve nominaciones a los óscars, de los que consiguió cuatro: Mejor película, director, actor secundario y montaje (Joel Cox).

[Vía | PabloCine]

“El Apartamento”, fue la gran triunfadora del año 1960, estos fueron sus cinco óscars: película, director, guión original, montaje, y director técnico.

[Vía | PabloCine]

Con una musiquilla mala y maschacona, hay momentos que te dejan los oidos medio bizcos. Y en cuanto a la historia, ni fu, ni fa, la cosa empieza en cierto punto interesante, pero al final se te hace pesada y hasta incluso cargante. En fín, una película más bien mala, pudo haber dado mucho más de sí (aunque suene a tópico).

Pero amigos mios, este filme hay que digerirlo con una buena bolsa de patatas fritas y un par de cervezas, porque si no, no te entra.

Suspenso.

[Vía | PabloCine]

Maravillosa Audrey Hepburn, yo creo que para esta actriz, los años no pasaban, porque cada día estaba más hermosa, y afortunadísimo Cary Grant, lleno de sarcasmo e ironía, y cambiando de nombre cada dos por tres. Unos papeles, que sín ellos, la película no hubiera valido la pena, porque ¿quén se imagina?, “Charada”, ¿sín Audrey y Cary?. Donen hace pués dos películas en una: comedia e intriga, con un desenlace que ha pasado a la historia. En fín, una película muy brillante, que destila raudales de asombro y de imaginación.

Sobresaliente Alto.

[Vía | PabloCine]